Historie klasické hudby

Soudní shromáždění k poslechu hudby

Nyní, když jste byli řádně seznámeni s některými z více slavných skladeb v repertoáru vážné hudby Myslel jsem si, že přehled různých období, které tvoří historii klasické hudby, bude dalším logickým krokem. Termín je velmi široký a zahrnuje hudbu od středověku až po současnost. Článek se pokusí představit vám několik různých stylů a myšlenek každého z hudebních období v západním světě a zároveň je uvést do kontextu, aby vysvětlil různé vývojové trendy a upozornil na významné skladatele. Toto není v žádném případě komplexní průvodce, ale přehled, jehož cílem je pomoci začátečníkům lépe porozumět klasické hudbě. Vzhledem k velkému rozsahu (mluvíme přece o tisíci letech hudby) nebylo pokryto vše. Například jakákoli hudba po roce 1945 byla vyloučena, protože existuje tolik škol a přístupů, že by článku opravdu neprospělo pár stovek slov.

ObsahRozšířitKolaps
  1. Rané období:
  2. Středověk (1100–1400)
  3. renesance (1400-1600)
  4. Baroko (1600–1750)
  5. Klasicismus (1750-1820)
  6. romantismus (1820-1900)
  7. Modernismus, serialismus a dál (1900)
  8. Závěrečná slova

Rané období:

Ačkoli stará hudba existovala jako církevní a dvorní hudba, byla to do značné míry raná církevní hudba, a zejména vokální církevní hudba, která se nakonec stala vysoce sofistikovanou hudbou Bacha, Beethovena a Brahmse. Přestože je v hudbě trubadúrů, madrigalů a ministrantů mnoho ctností, článek se zaměřuje spíše na církevní hudbu.

Středověký hudební rukopis

Středověký hudební rukopis

Středověk (1100–1400)

Všechno to začíná zde, jedním řádkem poznámek. Monofonní chorál, nazývaný také Plain chorál, se vyvíjel v různých centrech po celé Evropě. Stejně jako dvorní hudba byla místní, založená na místních liturgiích a různé regiony produkovaly různé styly zpěvu. Poslechněte si rozdíl mezi mozarbským chorálem Portugalska a Španělska a amborským chorálem. Oba dělají verze části mše ‚Gloria in Excelisus Deo‘.

http://www.youtube.com/watch?v=qqiCs3oL3yg

To se začalo měnit s normalizací mše a zpěvu katolickou církví v roce 1011 n. l. Výsledkem byl gregoriánský chorál, odvozený ze smíchání stylů zpěvu dvou hlavních evropských center Říma, centra církve, a Paříže, politického centrum. To nahradilo téměř všechny místní formy zpěvu. Zde si znovu poslechněte Gloria, ale jako gregoriánský chorál.

S touto standardizací začal docházet k rozvoji. Postupně byly do hudby zaváděny další řádky, které procházely Organum. Velká část této hudby je stále anonymní. Opět různá centra experimentovala s různými přístupy k organum, snad nejvýznamnější byla Angličané. Ačkoli Florid Organum of St Martial bylo nejvýznamnější na pozdějším organu a ustoupilo slavné škole Notre Dame, anglické organum upřednostňovalo interval tercie, což by se stalo cestou, kterou by modální hudba vedla k durové/molové tonalitě. , ale o tom později. Ty byly později vyvinuty dvěma z prvních známých skladatelů, nejprve Léoninem a později Pérotinem. Oba poskytovali mnoho nových kompozičních technik, z nichž nejdůležitější byl modální rytmus, v podstatě nepravidelné noty uspořádané do pravidelného vzoru.

http://youtube.com/watch?v=gtkmnhnHWhw

Primární rozdíl je v tom, že tam, kde se Léoninův styl posunul více k dlouhým květinovým linkám, se Pérotin soustředil více na použití propracovanějších hlasů, což přineslo pevný začátek polyfonie.

renesance (1400-1600)

Počátečním krokem bylo vyhlazení prvků, které se staly prominentními v pozdně středověkém stylu. Zejména to znamenalo zjednodušení některých rytmů. To však poskytlo plynulejší styl a v mnoha ohledech přispělo k soustředěnějšímu rytmu, který se pohyboval více ke konci skladby. Interval tercie se svou větší barevností (moll a major) se stal více ceněným. Ve středověku byla považována za disonantní, a tedy podřízenou kvintě a kvartě.

V hudbě Johannese Ockehema se hudba postupně stala opět komplexnější. Jeho záliba v kánonech je slyšet v jeho Missa Prolationum. To bylo spojeno se zvýšenými detaily, které byly v té době vidět ve výtvarném umění.

V 70. letech 14. století byl první vliv knihtisku pociťován v hudbě. Začala se formovat hudební notace, která umožnila myšlenku přenášení hudby a její věrnější reprodukci. To také znamenalo, že místní prvek, stejně jako standardizace mše kostelem v roce 1011, byl překonán rostoucím internacionalismem, konkrétně francouzsko-vlámským stylem polyfonie. S tím došlo ke zvýšení zjednodušení zejména u G.P. Palestrina. Posun k jasnějšímu stylu přišel částečně kvůli protireformaci a Tridentskému koncilu. V podstatě došlo k rozhodnutí, že tehdejší polyfonní hudba činí texty, božské posvátné texty, nesrozumitelnými. Upustili od prolínání několika hlasů v kanonickém stylu Ockehem ve prospěch imitace duetů a trií, které by se strukturovaly do pěti nebo šesti sekcí. Přibývalo také pasáží homofonie (více hlasů pohybujících se v podobném rytmu) pro pasáže zvláštní důležitosti. Palestrina z nich nakonec vyvinul volně plynoucí styl kontrapunktu, umožňující jak jasnost, tak hudební zájem.

Dobová posedlost starověkem, zejména Řeky, vedla některé k experimentům s formou hudebního divadla, kde hlasově vyprávěl příběh za doprovodu nástrojů, v podstatě se snažil replikovat řecké drama. Trochu se jim to daří. Vytvořili formu hudebního divadla, která je přítomná dodnes, i když míra, do jaké se podobá tradičnímu řeckému dramatu, je sporná.

Baroko (1600–1750)

Opět vidíme, jak se v hudbě ujímá lokalizace, protože období baroka nabízí řadu skladatelů z různých míst. Samotný termín byl původně používán jako urážka vysoce zdobeného, ​​zdánlivě nesourodého stylu hudby. Od té doby se stal termínem pro popis širokého spektra skladatelů za období 150 let. Jedním z přechodných skladatelů byl Jacopo Peri. Pracoval pro různé církve a soudy, zejména pro Medicejské. Jeho styl je výrazně méně komplexní než většina renesanční hudby před ním nebo více ornamentální styl, který by charakterizoval baroko. Málo z jeho díla se dnes hraje a často jen jako něco jako kuriozita. Přesto je podle některých skutečným vynálezcem nové formy zvané Opera, kterou později revidoval Claudio Monteverdi ve svém L’Orfeo.

Nesrovnatelný J.S. Bach

Nesrovnatelný J.S. Bach

Základními ingrediencemi, které by charakterizovaly pozdější barokní hudbu, je tónová harmonie v podobě basso continua (souvislá basová linka), na níž by se hrála tónová polyfonie, inspirovaná kontrapunktem vyvinutým v období renesance. Interval tercie, který se pro skladatele pomalu stával důležitým, umožnil vznik durových a mollových tónin jako způsobů řízení disonance a chromatičnosti, které byly klíčovým rysem až do konce 19.čtstoletí. Kromě toho je konceptualizace rovného temperamentu, dělení oktáva ve dvanácti dílech. Kupodivu nejde o dvanáct dokonale vyladěných půltónů. Ve skutečnosti existuje dvanáct nevyladěných intervalů, ale míra, do jaké jsou nevyladěné, je přesná, což znamená, že se navzájem vyrovnávají. To umožnilo modulaci mezi klávesami. Well Tempered Clavier Johanna Sebastiana Bacha je v některých ohledech realizací a oslavou této standardizace. Instrumentální hudba přišla na své. Zejména klávesové nástroje, jmenovitě cembalo a varhany, se staly hlavními pilíři hudby.

J. S. Bach je velikánem této doby, ačkoliv nebyl zdaleka nejslavnějším hudebníkem té doby, jeho sláva stoupala zvláštností od 19. století. Jeho hlavní post byl as dirigent v Lipsku, v podstatě muž zodpovědný za hudbu tohoto města. Vytvořil mnoho rozmanitých děl, od chorálových kantát, mší, preludií, partit. S výjimkou divadelních děl (jako jsou opery) pokrývá Bachův katalog všechny formy, nástroje a orchestry daného období.

Tiskařský stroj také připravil cestu ke standardizaci. Vznikaly pedagogické texty, včetně Gradus ad Paranassum (1725) Johanna Fuxe systemizující kontrapunkt dřívějších období a Archangelo Corelli, který organizoval houslovou techniku ​​a pedagogiku. Období umožňovalo i větší individuální rozlišení. Skladatelé a interpreti se začali proslavit sami o sobě, jejich znalosti a odborné znalosti se předávaly buď prostřednictvím pedagogiky, nebo v tisku chválícím jejich talent.

Ačkoli liturgie stále poskytovala základ pro některá díla, skladatelé se rozhodli organizovat materiál jinak. Forma se stala důležitější, protože potřeba zůstat v rámci jediného klíče vyžadovala metody organizace hudebního materiálu, aby se vrátil k ‚tonické‘ nebo domácí klíči. To poskytlo rámec pro sonáta formou i myšlenkou námětu a variací. Základy formy zahrnují binární (AABA) nebo trio (ABC).

Klasicismus (1750-1820)

Během renesance se pozornost přesunula na klasickou antiku (odtud název) a lidé se ji snažili napodobit v novém umění a architektuře. Zatímco se stále kladl důraz na formálnost a hierarchii stejně jako v baroku, důraz byl kladen spíše na jasné členění, silný kontrast a jednodušší styl, na rozdíl od složitého, ornamentálního stylu baroka. Zjednodušeně řečeno, polyfonie ustoupila jediné melodii doprovázené podřízenou harmonií. Odhalení posunu v modulaci, například mezi prvním a druhým tématem sonáty, se stalo stále důležitějším. Znalosti starších hudebníků s jejich technickými znalostmi byly zapotřebí, ale novější styl vzešel od mladších hudebníků. C.P.E. Bach se ukázal jako skvělá kombinace těchto dvou. Získal od svého otce znalosti starých technik, ale dokázal je využít v novějších stylech, které si oblíbila veřejnost. Toto přechodné období, které by vedlo k podobným Joseph Hayden a Wolfgang Amadeus Mozart pochází z let 1730-1760. Faktem bylo, že Bach, ačkoliv byl stále respektován, se stal něčím jako přežitkem.

Jednoduchost měla i ekonomické důvody a výhody. Chuť pro novou hudbu se stala veřejnou fixací, ale zdroje, které měl skladatel k dispozici, byly dosti omezené. Zatímco Bach měl k dispozici všechny muzikanty v Lipsku, Mozart by musel například najímat hudebníky, což by znamenalo zkoušky a zkoušky stály peníze. Aby se omezil rozpočet, staly se v módě kusy vyžadující pouze jednu zkoušku.

Soudní shromáždění k poslechu hudby

Soudní shromáždění k poslechu hudby

V tomto období vzkvétala dvorní hudba (skladatelé byli ve službách šlechticů). c náš orchestr z Mannheimu byl nejslavnější v té době, a proto ovlivnil hudební styly mnoha skladatelů, včetně Haydena a Mozarta. Hayden je často nazýván otcem obou Symfonie a Smyčcový kvartet . Již jako malý chlapec získal hudební vzdělání a nakonec byl přijat jako sborista v katedrále sv. Štěpána ve Vídni. Jak stárnul, jeho hlas nepříznivě vyzrál a po špatně přijatém žertu na kolegu sboristu byl propuštěn. Následně nastoupil do různých zaměstnání a když si uvědomil nedostatek znalostí v hudební teorii a kompozici, prostudoval mnoho textů, které byly zpřístupněny tiskem v době baroka (zejména Fuxovo pojednání) a studoval dílo C.P.E. Bach. To nakonec vedlo k jeho zaměstnání na panství Esterházy, což mu pomohlo rozvíjet jeho určující styl a úspěch.

Dalším velkým ekonomickým posunem bylo, že se hudebníci stále více stávali volnými hráči. Dříve se hudba vytvářela pouze uvnitř a pro dvůr. Mozart například prodával předplatné na své koncerty, aby se mohl financovat, spíše než se spoléhat na královský patronát. Na druhou stranu Hayden využil stability svého dvorního jmenování k tomu, aby se zaměřil na vytváření nových způsobů komponování a strukturování děl v rámci nové estetiky doby, Mozart hledal úspěch ve veřejné doméně. To znamenalo být virtuózním umělcem a skládat opery. Oba tito umožnili hraní přes několik nocí a plány turné, což Mozartovi umožnilo vytvářet životaschopný příjem. Preferoval také větší využití chromatických akordů a kombinaci melodií v rámci jednoho díla. Jeho trénink u Haydena mu poskytl strukturovanější a disciplinovanější přístup, který ho vedl k tomu, aby se stal barvitějším a virtuóznějším. Jeho kompoziční styl vyžadoval větší pozornost a interakci v rámci orchestru a představoval větší výzvu pro jednotlivé hudebníky. Tento techničtější přístup vyžadoval více od skladatele i interpreta a veřejnost toužila po více. Tyto zvýšené požadavky na dovednosti zároveň odlišovaly pozdější klasicismus kolem roku 1780 od dřívějšího přechodného období (1740-1760). Hayden i Mozart byli v té době považováni za génia a těšili se velkému úspěchu.

V následujícím se objevila nová generace hudebníků a ta nejznámější a nejuznávanější rozhodně byla Ludwig van Beethoven . Stejně jako Mozart si získal pověst virtuózního umělce, zvláště známý svou improvizací. Jeho skladby však měly ještě větší dopad: byly delší, složitější. více „pianističtější“ než „vokální“ a zajistilo větší interakci mezi nástroji, což vedlo k novému stylu. Raně klasicistní představa jednoduchosti nad složitostí byla uzurpována. Forma umožnila větší množství zkoumání hudebního materiálu. Nejjasněji je to vidět ve vývojových sekcích Beethovenových děl. Spíše než Mozartovu hravost přepracoval Beethoven svá témata rozsáhlými, odvážnými a komplikovanými způsoby. Jeho hlavním cílem bylo vytvořit monumentální, originální umělecké dílo. V důsledku toho jeho kvalitní přístup znamenal, že vytvořil méně svazků: ​​zatímco Hayden složil přes 100 symfonií, Mozart jich napsal 41 a Beethoven jen 9 symfonií . Emocionální intenzita a hudební propracovanost, které v Beethovenových symfoniích existují, však naznačují konečný posun. Beethoven sice začínal svou kariéru jako klasicistní, ale ukončil ji jako protoromantik.

romantismus (1820-1900)

Rostoucí zájem o přírodu, velebení subjektivního myšlení a zájem o nadpřirozeno charakterizoval romantismus. Standardizace, ke které došlo během klasického období, byla testována a tlačena na své limity, protože každý skladatel měl svůj vlastní, subjektivní přístup. následně se staly populární styly volné formy, jako jsou nokturna, rapsodie a předehry. Ukázkovým příkladem toho je Frederick Chopin . Do svých mazurek zakomponoval prvky lidové hudby, i když jsou určeny do koncertní síně.

http://www.youtube.com/watch?v=e8PJsjO1u5w

Hudebníci se osvobodili od šlechty, protože hudebníci mohli nyní působit samostatně nebo prostřednictvím různých hudebních vzdělávacích organizací. Jedním takovým způsobem byl zvýšený zájem o hudbu ze strany středních vrstev, což poskytlo cestu, na které si skladatelé mohli vydělávat pravidelný příjem. Chopin například odehrál jen pár koncertních vystoupení. Jeho obvyklý příjem pocházel z přednášek a prodeje svých rukopisů.

Tato nezávislost vede ostatní k pořádání velkých turné a koncertů. Skladatelé a interpreti se v podstatě stali rockovými hvězdami, které veřejnost zbožňovala. Dva z hlavních příkladů jsou houslista Nicollo Pananini a Franz Liszt. Paganini ve skutečnosti inspiroval seznam, s jeho technickým úspěchem s houslemi, aby jej sladil s klavírem. Souboje se mezi klavíristy staly něčím jako pravidelným prvkem. Liszt měl zvláštní rivalitu se Sigismondem Thalbergem, kolegou skladatelem a virtuosem, kde se v podstatě snažili snížit popularitu toho druhého v médiích. To se opravdu nepovedlo, a tak se pro vyrovnání 31. března 1837 utkali Liszt a Thalberg v salonu princezny Cristiny Belgiojoso. Každý nejprve zahrál skladbu již ve svém repertoáru. Poté si každý zahrál kus extrémní technické obtížnosti, který si připravil speciálně pro setkání. Liszt byl Reminscences de Robert le Diable. Přestože to přítomní označili za remízu, Thalberg, který s Lisztem dlouhá léta soupeřil, ho už nikdy nevyzval.

Na opačné straně tohoto spektra byl Wagner. Wagner chtěl vytvořit Gesamtkunstwerk (totální umělecké dílo), v němž se spojují poetické, vizuální, hudební a dramatické prvky umění. Orchestry během tohoto období rostly se zavedením více nástrojů a větších rolí pro ty stávající. Ale pro Wagnera byl postup příliš pomalý. Chtěl to ještě větší. Některé nástroje specifikoval pro své orchestry, například octobas, bas tak velký, že na něj lidé museli hrát. Byl také jedním z mála skladatelů z tohoto období, který získal záštitu v podobě Ludvíka II. Bavorského. To mu umožnilo postavit Bayreuth Festspielhaus (festivalové divadlo). Orchestr je zde schován pod kápí, aby byl za prvé odstraněn z dohledu orchestru, drama bylo pro Wagnera prvořadé, a za druhé, aby se napravila rovnováha mezi zpěváky a orchestrem. Hudba používala větší množství chromatičnosti a disonance, které přidaly na dramatickém účinku hudby. Přestože je Prstenový cyklus mamutím dílem této doby, je to Preludium od Tristana a Isoldy se slavným Tristanovým akordem (00:12), které zdůrazňuje emocionální touhu a chromatický vzdor, které charakterizovaly Wagnerovo dílo.

Modernismus, serialismus a dál (1900)

Začátkem 20. století byli skladatelé unavení konvencemi a standardizací, ke kterým došlo během éry běžné praxe, a začali zkoumat více metod, jak tam hudbu organizovat. Pro některé to jednoduše znamenalo rozšíření těchto konvencí, jako například Sergei Rachmaninoff, který skládal hudbu v romantickém stylu až do 40. let 20. století.

Igor Stravinskij

Igor Stravinskij

Jiní se rozhodli předefinovat, zmutovat nebo odmítnout předchozí konvence. Claude Debussy byl jedním z těchto skladatelů. Původně fascinován Wagner Vysoce chromatická tonální hudba nakonec dospěla k závěru, že to byl nádherný západ slunce, mylně považován za úsvit. Stejně jako ostatní si uvědomil, že Wagnerův přístup k tonalitě je z omezení na tonalitu. Hledal tak jiné způsoby organizace svého materiálu. Svým způsobem se díval zpět a používal pro své kompozice režimy stejně jako v období středověku a renesance. To mu dalo tónovou nejednoznačnost a svobodu pohybovat svou hudbou, o čemž svědčí Předehra k odpoledni fauna . Odhaluje také Debussyho použití nefunkčních harmonií, kde harmonie místo toho, aby skladbu poháněla vpřed, harmonie pouze zabarvuje melodii. V tomto období začaly tradičním smyčcovým nástrojům konkurovat žesťové a dechové nástroje.

Další mamutí dílo počátku 2. století bylo Igor Stravinskij je Svěcení jara. Skladba, která při své premiéře v roce 1913 slavně vyvolala obrovské veřejné pobouření a téměř nepokoje, se svými zdánlivě kakofonními prolínajícími se melodiemi a násilnou povahou silných rytmů odhalila nové oblasti fascinace modernistického věku. Spíše než mít výšku jako primární prvek v hudbě, se stala podřízenou atmosféře vytvořené texturou, rytmem a tónem.

A nakonec Arnold Schoenberg a dvanáctitónové hudby. Zatímco Debussy a Stravinsky hledali při tvorbě své hudby nové a exotické techniky a zvuky, Schoenberg se zafixoval na samotných základech běžné praxe, dvanácti tónů stejného temperamentu. Někdy nazývaná atonální hudba, aby se zabránilo tomu, aby to upadlo do úplného chaosu, Schoenberg odvodil systém, který vyžadoval, aby bylo všech dvanáct tónů použito za sebou a pak se tato posloupnost opakovala pro zbytek skladby. Systém, i když k němu přistupoval z jiného směru než jeho současníci, také vyžadoval větší zaměření na texturu, instrumentaci, dynamiku a rytmus.

Přestože vytváří zajímavý, až strašidelný efekt, ve skutečnosti nebyl dobře přijat. Nicméně Schoenbergova technika byla stěžejní v západní hudbě v příštích několika desetiletích se skladateli jako např Pierre Boulez a Stockhausen rozvinul svou dvanáctitónovou techniku ​​do úplného serialismu, kde každý prvek od výšky přes dynamiku až po rytmus byl podroben přísnému systému. Výsledky opět nebyly populární a mnozí, například minimalisté, to přímo odmítli.

Závěrečná slova

Doufám, že vám tento úvod do historie západní klasické hudby poskytl představu o různých stylech v různých obdobích. Více než cokoli jiného doufám, že vám to umožní více ocenit různé druhy hudby. Jakou éru klasické hudby preferujete nebo jací jsou vaši oblíbení skladatelé? Dejte nám prosím vědět do komentářů.